KABOOM

ÚLTIMO PROGRAMA DEL AÑO - 17 DIC 2010- ¡Muchas gracias a todo nuestro público seguidor!

2010-12-18T16:22:00.001-08:00

Watch live streaming video from lagazetatv at livestream.com

REGRESA KAOOM!!!- repetición de 1 dic 2010

2010-12-02T18:13:00.001-08:00

EN este programa Abel nos platica sobre los programas estilo Guitar Hero

Watch live streaming video from lagazetatv at livestream.com

2010-11-24T15:25:00.001-08:00

lagazetatv on livestream.com. Broadcast Live Free

Repetición del 12 de octubre

2010-10-16T06:50:00.001-07:00

Watch live streaming video from lagazetatv at livestream.com

Repetición del 6 de Octubre

2010-10-07T11:08:00.000-07:00

Watch live streaming video from lagazetatv at livestream.com

Peanuts

Peanuts (conocido como Snoopy, Rabanitos, Charlie Brown o Carlitos) es una tira de prensa desarrollada por Charles M. Schulz desde 1950 hasta su muerte en 2000. Schulz siempre detestó el título de Peanuts (cacahuetes), impuesto por su editor original.

Fue una de las tiras más populares del medio llegando en su pico de popularidad a ser publicada en más de 2.600 periódicos, para unos 355 millones de lectores en 75 países y traducida a 40 idiomas. Peanuts también tuvo un considerable éxito con sus especiales televisivos, varios de los cuales fueron nominados o ganadores de premios Emmy.

En 1947, Charles Schulz vendió una tira llamada Li'l Folks para un periódico de su ciudad natal, el St. Paul Pioneer Press. Li'l Folks fue publicado semanalmente por dos años. Sin embargo, cuando Schulz pidió que la tira fuese diaria, acabó siendo despedido.

En 1948, Schulz vendió un panel de tira cómica para el Saturday Evening Post y continuó vendiéndolos entre 1948 y 1950.

En 1950, Schulz fue a Nueva York con muchos proyectos de dibujos para una reunión que fue muy importante en su carrera con la compañía editora United Feature Syndicate (UFS). Y el día 2 de octubre de 1950, Peanuts, hizo su estreno en siete periódicos de Estados Unidos e inmediatamente se transformó en un gran éxito.

El éxito de las tiras en los periódicos fue tan grande que en 1965 se transformaron en dibujo animado, con un programa de televisión especial para Navidad. La popularidad se hizo aún mayor, llevando la creación de varios productos con el tema Peanuts, desde cuadernos y camisetas hasta pastas de diente. Peanuts tuvo también cuatro películas.

En diciembre de 1999, Schulz anunció su despedida de Peanuts, debido a problemas de salud. Las tiras diarias cesaron el 3 de enero del 2000 y las dominicales continuaron saliendo por unas semanas más. Charles Monroe Schulz falleció en Santa Rosa, California, la madrugada del 12 de febrero de 2000, a los 77 años de edad. Ese mismo día se publicó la última tira dominical de Peanuts con un mensaje de despedida de su autor. Sin embargo sus dibujos y personajes se mantienen inmortalizados en todo el mundo

Edad de Plata de los comic-books

La Edad de Plata, o bien Silver Age, es el nombre dado a una etapa de la historieta estadounidense que implicó una gran cantidad de modificaciones en el género de los super héroes. Durante la misma se introdujo una fuerte cantidad de recursos de ciencia ficción en los orígenes, poderes o aventuras de los personajes, así como también tratamientos más costumbristas de los mismos que los hicieran más realistas y menos irreales a ojos de los lectores.

Si bien no tiene un origen o un final exactos, se considera que comenzó a fines de la década de los '50 y se prolongó hasta inicios de la década de los '70. Apareció un tiempo después de la Golden Age

DC Comics.

Luego del final de la Segunda Guerra Mundial, la gran cantidad de títulos ofrecidos por la editorial se vio enormemente disminuida, permaneciendo sólo las dedicadas a Superman, Batman y la Mujer Maravilla. Habitualmente se considera como el inicio de la Edad de Plata a la revista Showcase Nº 4, en la cual se volvió a editar a Flash, pero modificando por completo al personaje, manteniendo del original sólo la supervelocidad. El relanzamiento tuvo suficiente éxito como para repetir el intento con Linterna Verde, Hombre Halcón y Atom, otros personajes cancelados que también fueron reformulados completamente.

El relanzamiento más exitoso fue el de la Sociedad de la Justicia, renombrada como Liga de la Justicia, en el cual se reunían a los principales personajes de la editorial. La Liga comenzó a establecer la creación de un universo de ficción compartido por todos los personajes, algo que hasta entonces sólo se apreciaba en World's Finest, publicación compartida por Superman y Batman. Pronto llegó el primer crossover de la editorial (una historia transcurre a lo largo de diversas publicaciones), compuesto por Hawkman Nº 4, Atom Nº 19, Green Lantern Nº 42, Detective Comics Nº 355 y finalmente Justice League Nº 51. Los crossovers contribuyeron al establecimiento del universo de ficción.

La editorial se vio beneficiada también por el gran éxito de la serie televisiva de Batman protagonizada por Adam West, y adaptó su serie y Detective Comics al estilo de la misma. También otorgó al personaje un rol protagónico en las historias de la Liga de la Justicia y The Brave & The Bold, de protagonismos rotativos, pasó a constituir en encuentros de Batman con otros personajes.

DC también se benefició con la cancelación de la serie televisiva y el fin del furor por Batman que ésta había generado. En ese tiempo se habían creado otras editoriales menores, como Charlton Comics, que intentaron beneficiarse del auge de los superhéroes. Cuando estas otras editoriales cerraron, DC reclutó a sus artistas más importantes: Dick Giordano, Steve Ditko, Denny O'Neil y Jim Aparo. Ya con Carmine Infantino como jefe de coordinadores de DC, la editorial entra en un período de experimentación, durante el cual se modifica el tratamiento de los personajes importantes (en especial Batman, volviendo a retirar las influencias de la serie televisiva para regresar al estilo habitual de dicha historieta) y se crean muchos otros títulos de diversos géneros. Entre los mismos estaban Deadman, Creeper, Brother Power, Hawk & Dove, Dolphin, Inferior Five, Bat Lash, Nightmaster, Secret Six, Firehair, Anthro, Angel & The Ape, los Blackhawks, el Phantom Stranger, etc.

Tierras paralelas

El éxito de la nueva versión de Flash atrajo a nuevos lectores, pero también a los antiguos lectores de las las historietas del primer Flash, ya canceladas. Se pedía en los correos ver a Jay Garrick, el Flash original, una vez más, y el guionista Gardner Fox lo realiza en la historia "Flash de dos mundos" (Flash Nº 123 de septiembre de 1961). En ésta el Flash que estaba siendo publicado, Barry Allen, vibra hasta aparecer en otro mundo diferente, al cual llaman "Tierra-2" (el universo principal es "Tierra-1"), en el cual conoce a Jay Garrick. La historia establece que todos los personajes e historias de la Edad de Oro tuvieron lugar en ese otro universo paralelo, diferente de aquél en el cual transcurrían las historias habituales de los personajes.

Este planteo, sin embargo, trajo muchas complicaciones y situaciones contradictorias. Uno de los puntos conflictivos eran los personajes de más renombre de la editorial, Superman, Batman, Robin y la Mujer Maravilla, que se editaron ininterrumpidamente mientras los demás títulos se cerraban, tratándose siempre de los mismos personajes. A diferencia de Flash, Linterna Verde, el Hombre Halcón o Atom, no existía un punto de quiebre claro y distingible que pudiera separar con claridad qué pertenecía a Tierra-1 y qué a Tierra-2, e incluso se llegaba al absurdo de que Superman, narrativamente situado siempre en un mismo universo de ficción, interactuara con Jay Garrick y años más tarde con Barry Allen, lo cual implicaría que ambos tendrían que formar parte del mismo universo.

Con los años las contradicciones generadas por los múltiples universos se volverían tan insostenibles que se realizó la historia Crisis en Tierras Infinitas, que retiró a toda la historia previa del Universo DC de la continuidad para recomenzarla desde cero. Otras series o conceptos posteriores, como Hora Cero, el Hipertiempo o Crisis Infinita, volverían a introducir o retirarían nuevamente los diversos conceptos empleados en la Edad de Plata.

Marvel Comics

Siguiendo la estela de la Liga de la Justicia de DC, la editorial Marvel Comics decidió crear su propio grupo de superhéroes y se lo encargó al editor y guionista Stan Lee, que trabajó con varios dibujantes.

El primer número de Los 4 Fantásticos, obra de Lee y del dibujante Jack Kirby, apareció en noviembre de 1961, y la humanidad de los personajes, sumada a la combinación de elementos de otros géneros mucho más comerciales de la época, catapultó a la serie en las listas de ventas. Azuzados por este éxito, Stan Lee, Jack Kirby y Steve Ditko se lanzaron a la creación de más y más personajes: "Hulk", "Thor", "Spiderman", "Daredevil" o "X-Men", todos superhéroes con problemas, ya fueran de salud, económicos, de aceptación social, etc.

Afro Samurai

Afro Samurai (アフロサムライ Afuro Samurai?) es una mini serie de anime u OVA de los estudios GONZO. La historia gira en torno a un samurái con peinado afro que busca la venganza.

El productor de esta serie japonesa es Samuel L. Jackson, él mismo hace la voz del protagonista. La trama de esta serie es muy violenta, con toques de humor y mucha acción, pero sobre todo mucha sangre. Está enfocada hacia un público adulto por su contenido y escenas. Solo consta de 5 capítulos.

Costó alrededor de 1 millón de dólares la producción de cada capítulo de esta serie.

Un guerrero invencible, una venganza, un hombre que es más que una leyenda. Un samurái negro con un abundante peinado afro es el protagonista de esta historia de muerte y venganza, nuestro protagonista es conocido como afro samurái o afro para los amigos, en realidad para el único amigo que tiene, un ninja negro de buen corazón, que lleva todo el ritmo del Bronx, en su forma de hablar y moverse, llamado Ninja Ninja. Afro recorrerá este mundo tal vez futurista mezcla del Japón feudal con el oeste americano y algo de los barrios negros de Nueva York. Un mundo donde la violencia manda y las armas son el alma de la gente. Existe el reto de ser el Nº1 del mundo, un hombre intocable considerado un dios por ser el más fuerte del mundo. Existen dos cintas que son portadas por los dos mejores guerreros la del Nº1 y la del Nº2.

El padre de Afro supo ser el que ostentaba aquel grandioso título, ser el Nº1 del mundo, hasta que un trágico día Justice, el hombre que tenía la cinta del Nº2, reta al padre de Afro y en una feroz batalla lo asesina delante de Afro de la forma más trágica. Por lo que el protagonista jurará venganza y crecerá para convertirse en el segundo hombre más fuerte del mundo y así poder ser el único que podrá retar al Nº1, para derrotarlo y de esta manera vengar la muerte de su padre. Afro a diferencia del Nº1, sí puede ser retado por cualquiera que quiera tener la cinta del Nº2, lo que le traerá una vida llena de violencia y asesinatos sin fin donde todos, ladrones, bandoleros, caza recompensas y monjes maníacos querrán su cabeza, en cualquier lugar a donde vaya le será muy difícil encontrar la paz, ya que sólo lo rodea la muerte.

Lo llamativo de esta serie es que se estrenó primero en USA y Canadá donde se emitió a través de Spike TV, a principios del 2007 para luego emitirse en Japón. Esto se debió a que la serie es una producción hecha para captar al mercado estadounidense. Fue hecha íntegramente en Japón por Gonzo, que le compró los derechos a un ignoto mangaka, llamado Takashi Okosaki, el manga original se publicó en una pequeña revista independiente Nou Nou Hau, revista propiedad del mismo Okosaki entre otros colegas. El hecho de que esté hablada en inglés le da un estilo más western hollywoodense bastante novedoso. Entre las voces principales se encuentra ni más ni menos que Samuel L. Jackson, como Afro y también como Ninja Ninja, Ron Perlman (Hellboy) como Justice y Kelly Hu (Lady Deathstrike en X-men 2).

Cada capitulo es una obra de arte en sí mismo, la ambientación hace recordar mucho a dos de los cortos de Animatrix, Program (el de samuráis) y la animación a World record (el del corredor). Las escenas de acción no escatiman en sangre y la espectacularidad de las peleas lleva a no poder sacarle los ojos de encima, sobre todo a la primera escena de lucha aérea (por arriba de las nubes) en una serie de samuráis. Afro es capaz de cortar misiles y proyectiles de todo tipo. La serie esta novedosamente musicalizada con hip hop de fondo sobre las peleas, el soundtrack fue realizado por el músico RZA. La serie da para una continuación o para varias mientras Afro lleve una de las dos cintas siempre habrá alguien que busque su cabeza.

Personajes principales

Afro: Cuando era pequeño, Afro tuvo que presenciar la muerte de su padre en manos de Justice. Más tarde fue acogido en una escuela donde le enseñaron a perfeccionar su técnica del manejo de la espada. Cuando estuvo listo, obtuvo la cinta número 2 y se fue en busca de Justice para arrebatarle la cinta número 1 y vengar la muerte de su padre.

Justice: Justice es el hombre que mató al padre de Afro ante sus ojos cuando tan sólo era un niño. Es un experto pistolero y posee un tercer brazo en su espalda para vencer a los luchadores más desprevenidos. Cuando le robó la cinta número 1 al padre de Afro, se retiró a la cima de un monte a esperar a que Afro llegara.

Ninja Ninja: Ninja Ninja es el amigo imaginario de Afro, siempre lo acompaña a todas partes. Aparece por primera vez cuando Afro le arrebata la cinta número 2 a su maestro y pierde a sus compañeros de la escuela. Al contrario que Afro, Ninja Ninja nunca se está quieto y se pasa todo el rato hablando aunque Afro casi nunca le conteste.

Jinno: Jino fue uno de los compañeros de Afro en

la escuela samurái, aunque siempre se trataron más como hermanos. Guarda un gran rencor hacia Afro pues lo ve como el culpable de la muerte de todos sus amigos y de su maestro, a quien Afro terminó asesinando para quedarse con la cinta del número 2. Después de eso, cayó por un precipicio pero fue rescatado por el grupo de los 7 Vacíos y su cuerpo gravemente dañado fue reconstruido como un cyborg asesino. Su estilo es muy diferente al de Afro, pues usa 2 espadas. Lleva siempre una máscara de osito de felpa en honor a sus compañeros y para ocultar su terrible aspecto de cyborg.

Okiku: fue una compañera de escuela de Afro cuando era niño. Después de la muerte de sus compañeros, Otsuru fue acogida junto con Jino por el clan de los 7 Vacíos y fue entrenada como una ninja. Cuando Afro cae de un precipio, ella lo acoge en su posada para poco a poco extraerle sus recuerdos de la niñez para poder copiarle sus técnicas. Muere a manos de uno de los monjes cuando se rebela contra el clan.

Clan de los 7 Vacíos: Son un grupo bien organizado de monjes asesinos quienes desean llegar a ser dioses con la cinta del número 1, por lo que siempre tratan de quitarle la cinta del número 2 a Afro. En general, no tienen escrúpulos para tratar obtener su objetivo. Utilizan desde la clonación humana hasta el uso de tecnología robótica en su afán por vencer a Afro.

En enero de 2009, se lanzó una película de Afro Samurái; bajo el nombre de Afro Samurai Resurrection. Samuel L. Jackson será Afro (además de ser el productor ejecutivo de la película); Lucy Liu le pondrá voz a Sio, la seductora villana a la que se enfrentará de Afro. Mientras que Mark Hamill interpretará a Bin, el sirviente y protector de Sio. Yuri Lowenthal, regresará en el rol de Jinno, el guerrero con cabeza de osito. Igual que la vez anterior, Gonzo y Funimation trabajarán juntos para esta nueva película.

Para la misma fecha se lanzó también un juego para Xbox 360 de Microsoft, y para PlayStation 3 de Sony, desarrollado por Namco Bandai Games.

Zombies Ate My Neighbors (rebautizada como Zombies en Europa y Australia debido a problemas de censura ) es un 1993 de ejecución y la pistola de videojuego para la Sega Mega Drive de Sega Genesis / y Super NES plataformas. The game was originally developed, distributed, and produced by LucasArts as a comical tribute to both classic and horror films of the 1950s through the 1980s. El juego fue desarrollado originalmente, distribuido y producido por LucasArts como un homenaje cómico clásicos y películas de terror de la década de 1950 hasta la década de 1980. Fue publicado por Konami.

Los protagonistas del juego son dos hermanos, Zeke y Julie, que tienen que desplazarse por varios escenarios donde deberán salvar a personas (cocineros, bebés, animadoras, etc) del ataque de zombies de diversos tipos y cada cual con distintas características y formas de ser eliminados. Hay un nutrido arsenal de armas disponibles y artículos secundarios que pueden recorgerse durante el juego. Se deben superar 48 niveles y en estos no es necesario salvar a todos, sino solo a una víctima (dejando morir a las demás), y se abrirá una puerta para el siguiente nivel, también puedes entrar a niveles de bonificación si agarras el objeto del cuadro con el signo de interrogación (aunque en el bonus 3 es necesario salvar a las 10 porristas del nivel 12 para poder acceder). Cada 4 niveles se obtiene un password. En total hay 55 niveles (los 48 normales, los 6 de bonificación y el de crédito). Las complicaciones dependen del zombie con el que haya que enfrentarse, los más difíciles son: el chainsaw (Jason de Viernes 13), el bebe gigante, hombre lobo, Drácula, Frankenstein (son monstruos generalmente de la pantalla grande) y los snakoids (de tremors: temblores), cada uno de estos tienen armas con las que deben combatirlos (por ejemplo a Drácula con un crucifijo). El líder de estos es el Dr. Tongue que aparece dos veces durante el juego (nivel 36 y nivel 48), en ambas toma una fórmula para convertirse en una araña gigante, pero en la segunda ocasión, toma otra para convertirse en una cabeza gigante. Si se le gana en el nivel 48 se puede abrir la puerta y salvar a la porrista. Después del nivel 48 hay un nivel de créditos donde podrás salvar víctimas en las oficinas de los creadores del juego.

Zombies Ate My Vecinos fue originalmente desarrollado por LucasArts. Fue publicado por Konami, una empresa ya conocida por juegos de plataformas, en 1993. La música para el juego fue creado por el aclamado compositor de bandas sonoras de videojuegos Alistair George Sanger. El motor ZAMN más tarde sería utilizado para Ghoul Patrol, Metal Warriors y Big Sky Trooper. Los monstruos en el juego se basan en las películas de terror lanzado en la década de 1950, así como películas más modernas, como el viernes 13 y Masacre en Texas. La utilidad también es el arma sobre la base de estas representaciones, de manera que los hombres lobo mueren en un ataque en caso de ataque con los cubiertos, o vampiros mueren más rápido en caso de ataque con el crucifijo. El crucifijo es el arma más poderosa y la caja de Pandora es el elemento especial más poderoso. En la versión de SNES del juego, hay un lanzallamas que no está incluido en el Sega Mega Drive versión. No hay un nivel adicional en la que se permite el carácter de paseo por LucasArts y hablar con el personal responsable para el juego.

Debido a la temática del juego, que estaba sujeta a alguna censura. Este juego fue lanzado antes de la ESRB llegó y antes de eso, Nintendo no quería nada de violencia en sus juegos de vídeo, tales como sangre y gore. Nintendo de América se ordenó a todas las representaciones de la sangre y gore ser removido o cambiado a supurar púrpura.

Los comités de censura en varios países europeos, es decir, de las Naciones Reino Unido, Italia, Francia, España y Alemania - también Australia dio un paso más y ha cambiado el nombre del juego que acaba de Zombies y ordenó otros cambios, incluida la sustitución de la motosierra blandiendo hachas.

El jugador escoge entre dos personajes adolescentes, Zeke y Julie, o ambas cosas en un modo para dos jugadores. Navegan los barrios suburbanos, centros comerciales, pirámides y otras áreas, destruyendo una gran variedad de monstruos de película de terror, incluyendo vampiros, hombres lobo, bebés enormes demoníacos, muñecas malas, y el juego insignia de los zombies. En cada una de las 48 etapas, que incluye siete niveles de bonificación opcional, el objetivo es rescatar a los vecinos supervivientes, y en ese momento se abre una puerta mágica que llevará al jugador a la siguiente fase. Sin embargo, si el jugador no está cuidado, a cualquier enemigo en el juego matar a los vecinos que lo toque, evitando que sean salvos. Por lo menos un vecino debe ser salvado de cada nivel para pasar a la siguiente. El juego se pierde si los jugadores pierden la totalidad de sus vidas o si todos los vecinos en la etapa actual son asesinados. PUNTUACIÓN gana vecinos a los jugadores guardar (pero sólo hasta 10) y vidas extra. Cada nivel tiene a diez vecinos más, y para cada tipo prójimo vale más que cierta cantidad de puntos.

Zombies Ate My Neighbors, aunque no es un éxito inmediato, se convirtió en un clásico de culto años después de su lanzamiento. Tras su liberación, se reunió con el promedio por encima de la alabanza, ganando un 85,6% en Gamerankings.com. Los revisores del juego cita a menudo el humor, el juego, los gráficos y la música como algunos de sus mejores aspectos, así como su modo de dos jugadores.

Mike Seiblier de Sega-16.com señaló que la variedad de armas muestra el juego de "la lengua en la mejilla la naturaleza dándole armas y artículos como, cubiertos, platos, refrescos puede granadas, un whacker malezas, llaves, bazucas, así como paquetes de salud. " El Imperio Sillón elogió de igual manera la variedad y la estrategia que incorpora el sistema de armas. También hicieron nota de las pequeños detalles "que lo hacen tan guays para jugar", diciendo "Si te encuentras con una puerta, que no tiene la llave, puedes abrirlo golpe con la bazuca." Los críticos coincidieron en que la-op modo cooperativo es "altamente recomendado".

El juego de "colorido y detallado" gráficos han sido elogiados, así como su banda sonora, que Seibler llama un "homenaje a la espeluznante, sobre la música arriba se encuentran en edad, películas de miedo." Luego pasó a mencionar que el efectos de sonido son igualmente impresionantes y crujiente. Corbie Dillard dijo Nintendolife.com de los gráficos no hacen "exactamente nuevo conjunto de normas de 16-bit, pero aún consiguen mirada aguda y el uso creativo de la combinación de colores más oscuros utilizados en todo el juego que realmente hace que las imágenes espeluznantes llegado a la pantalla la vida. " Terminó su examen por cariñosamente llama el juego una " tasa de películas de terror segunda "versión de la Contra .

Al juego suelte el de la Wii Virtual Console, Zombies Ate My Vecinos recibió elogios inmensa y ganó Editor's Choice "un premio de IGN. El juego ha sido considerado como uno de "los más solicitados adiciones al sistema de capital riesgo incluso antes de la Wii lanzamiento. " Las comparaciones con el juego Dead Rising, lanzado para la Xbox 360 en 2006, se han elaborado, Lucas Tomás de IGN dijo que "Zombies Ate My Vecinos es, básicamente, un cómico de 16-bits para la nueva plantilla Xbox 360 versión, Dead Rising. Y como ese juego, esta vez te armas con un arsenal bastante extraña. Whackers malezas, explotando las latas de refrescos y el vuelo de plata, hacen una aparición que le ayude, o ya amigo te ponen una herida en estos muertos vivientes. "

Motion Comics

How to Draw

Repetición del 29 de setpiembre

2010-10-06T10:16:00.001-07:00

lagazetatv on livestream.com. Broadcast Live Free

Repetición del 15 de septiembre

2010-09-21T09:29:00.000-07:00

Watch live streaming video from lagazetatv at livestream.com

Parte 1

2010-09-14T10:24:00.000-07:00

Watch live streaming video from lagazetatv at livestream.com

Prepetición del día 8 de Septiembre Parte 2

2010-09-14T10:20:00.000-07:00

lagazetatv on livestream.com. Broadcast Live Free

Repetición del 1 de septiembre.

2010-09-06T08:21:00.000-07:00

lagazetatv on livestream.com. Broadcast Live Free

Cowboy Bebop: la película

2010-08-30T08:49:00.000-07:00

Cowboy Bebop (カウボーイビバップ Kaubōi Bibappu?), es una serie de animación japonesa de 26 episodios, dirigida por Shinichiro Watanabe y realizada por los estudios Sunrise. Comenzó a emitirse en 1998. El argumento principal de Cowboy Bebop versa sobre un equipo de cazarrecompensas del futuro y sus aventuras por capturar fugitivos. Sin embargo, el hilo argumental se desvía en cada episodio para desarrollar cada uno de los personajes: trasfondo, motivaciones, personalidad, ambiciones, etc.

La ambientación futurista de la serie tiene toques cosmopolitas en sus escenarios aderezados por una banda sonora fuertemente inspirada en los movimientos de música jazz de los años 1940s, denominados bebop. Las escenas de acción son frecuentes, tanto en la forma de combates espaciales como en la forma de combates cuerpo a cuerpo. La coreografía y la animación de éstos últimos es un aspecto muy atractivo.

Argumento

Transcurre el año 2071. La tripulación del BEBOP, inicialmente compuesta por Spike Spiegel y Jet Black viaja por todo el Sistema Solar en busca de recompensas. A lo largo de sus aventuras se incorporan tres nuevos personajes a su tripulación: Faye Valentine, Ed y, la mascota, Ein. Durante sus aventuras se desvela la tortuosa relación entre el protagonista, Spike, y su viejo camarada Vicious lo que conduce al desenlace de la serie. La relación de Spike con los demás coprotagonistas, y sus trasfondos, se dejan entrever en los capítulos intermedios de la serie.

Trasfondo

En el año 2022 se construyen una serie de puertas interestelares a lo largo del sistema solar, facilitando la creación de colonias en otros planetas y el comercio entre ellas. Una de estas puertas, muy cercana a la Tierra, sufre cierta inestabilidad que deriva en una explosión de grandes proporciones. Esta explosión destroza literalmente la mitad de la Luna y arrasa la superficie del planeta Tierra, matando a miles de millones de personas. La mayoría de la población opta por emigrar a colonias en otros planetas. Los habitantes que deciden permanecer en el planeta se ven obligados a vivir bajo tierra debido a la caída constante de fragmentos lunares en la superficie de la tierra. Las colonias son:

• Venus.
• Marte.
• Algunos asteroides habitables: Tijuana etc.
• Lunas de Júpiter: Calisto, Ganímedes y Europa
• Una de las lunas de Saturno, Titán. Esta última ha sido escenario de una guerra desde el 2060.
• Penitenciaría de Plutón.

La moneda universal del sistema solar es el woolong o hurón en español.
Personajes principales
La serie cuenta con una tripulación con diferentes personajes principales. Inicialmente solo son dos, Spike Spiegel y Jet Black; los cuales trabajan como cazadores de recompensas. A lo largo de la historia la tripulación del BEBOP aumenta con la llegada de Faye Valentine, Ed y Ein, la mascota del grupo.

• Spike Spiegel (スパイク・スピーゲル Supaiku Supīgeru?)
Nació en Marte. Spike es un ex-miembro del sindicato criminal Dragón Rojo que es perseguido por un antiguo triángulo amoroso entre su anterior compañero del sindicato, Vicious, y una misteriosa mujer llamada Julia. A pesar de su apariencia descreída e irónica es un experto en Jeet Kune Do.

• Jet Black (ジェット・ブラック Jetto Burakku?)
Su tierra natal es Ganímedes. Es el más "serio" de la banda, el que tiene más experiencia, y es el dueño de la nave "Bebop". Jet es un ex-policía que perdió su brazo en una riña con un delincuente mientras ejercía su profesión. Dejó la organización por la cantidad de corrupción que en ella había. Sabe que Spike pertenecía a la mafia de los Dragones Rojos, pero nunca se mete en sus asuntos; sólo lo hace cuando piensa que está en peligro. Jet es el más demostrativo del grupo en cuanto a sus emociones.
• Faye Valentine (フェイ・ヴァレンタイン Fei Varentain?)
Una mujer amnésica que despertó de un letargo criogénico de 70 años tras sufrir un accidente. Fue engañada y asume la deuda del hombre que la despertó, y constantemente intenta ganar el dinero en las apuestas para solucionar rápidamente su problema monetario. Su pasado y su nombre verdadero son un misterio incluso para ella misma (el nombre ‘Valentine’ le fue dado por un doctor), y se van descubriendo progresivamente a través de la serie.

• Ed (エドワード・ウォン・ハウ・ペペル・チブルスキー4世 Edowādo Hau Peperu Chiburusukī Yon-se?)

Chica terrestre bastante rara; parece un chico. Vive vagando sin rumbo a donde la vida la lleve. Ed no se preocupa por el futuro ni por nada que para cualquier persona tenga sentido, ella sólo vive la vida al día, por lo que es muy impulsiva. Además, es un hacker que siempre le está dando problemas a la policía gracias a todas sus travesuras. Su padre es igual que ella y se preocupa muy poco por el paradero de su hija, pese a que la quiere. Ed, de hecho, se crió en un orfanato terrestre organizado por una monja y su verdadero nombre es Françoise. Es un genio.

• Ein (アイン Ain?)

Ein (Strout en el doblaje español) es un Pembroke Welsh Corgi y ex-animal de laboratorio identificado como "perro de datos" por los científicos que lo crearon. La terminología utilizada para este título nunca fue explicada; sin embargo, se sugirió que posee inteligencia superior (que supera incluso a la de los humanos), ya que casi al final de la serie aparece "hackeando" una computadora con gran facilidad, mientras que los intentos previos de sus compañeros fracasaron. A pesar de su inteligencia superior, la tripulación del Bebop no capta estas cualidades. A menudo se lo muestra realizando hábitos propios de un perro normal, y generalmente se le ve dando vueltas por la nave.

Naves

BEBOP

El BEBOP es la nave, capitaneada por Jet, que da nombre a la serie y que sirve de centro neurálgico de las vidas de Spike, Faye, Ein, Ed y el propio Jet. Es bastante vieja y su vida ajetreada hace que esté cada dos por tres averiada.

Swordfish II• Piloto: Spike Spiegel
• Ancho: 13.3 metros
• Alto: 4.8 metros
• Largo: 13.8 metros
• Peso: 8.4 toneladas
• Armamento: Cañón de plasma, 2 ametralladoras

El Swordfish II, nave pilotada por Spike, es una fusión de avión y de nave espacial de alta velocidad, ya que posee las características aerodinámicas lisas de un avión de alta velocidad en el frente, combinadas con una nave Sci-Fi. La nave posee el motor en la parte posterior y posee una cúpula de forma esférica muy interesante en el centro la cual es desprendible, se puede volver ahumada o en su defecto transparente depende del ambiente. La cúpula esta hecha de fibra de vidrio reforzada con tres capas de la misma, la primera es la capa transparente, la segunda es la ahumada y la tercera es una capa anti-balas (no muy efectiva). Las tres son total y absolutamente herméticas. El aspecto total está inspirado en un avión rojo Pointy aerodinámico con las alas largas las cuales se doblan por encima del fuselaje para ahorrar espacio. Para hacer esto posible, cada ala se une al fuselaje con un empalme que resbala de modo que abisagre o encajen en el medio, para así poder doblar el ala cerca de 1/4; y después se dobla hacia arriba sobre el cuerpo del avión, estas son accionadas por un motor espacial que gira en la parte posterior delante del motor de la nave y se maneja manualmente desde afuera de la nave por un polea y automáticamente desde la cúpula por medio de un interruptor.

Aunque las alas parezcan similares, de hecho son asimétricas en la base, una se dobla 45 grados hacia adelante mientras que la otra de dobla hacia atrás, cada extremo del ala está encapsulado con dos grandes timones que están conectados el uno al otro hacia un pilón fino anclado a un cubo, ahí se encuentran los lanzamisiles estilo alas de Gorrión y justo debajo de la misma una ametralladora con cañones cortos y balas de 110 mm. El timón más bajo en cada ala sostiene un tren de aterrizaje minúsculo encajable (una barra gris parecida a la goma fina moldeada en la rueda). Cada ala tiene una vía de tren de aterrizaje en su cara interior. El tren de aterrizaje posee un pistón el cual mueve las ruedas. La alas son modelo Underwing de VTOL. Curiosamente el panel posee bastantes líneas y agujeros de remache, por debajo del fuselaje se encuentra un gran cañón de plasma, este, es capaz de disparar a varios metros de distancia y tarda en cargar 5.5 segundos. El Swordfish II posee como uno de sus frenos un "paracaídas" en la parte del propulsor posterior el cual se desencapsula por medio de un gancho en la parte superior de la cúpula central cuando es jalado hacia abajo, esto desactiva el seguro de la compuerta y el paracaídas se desprende y detiene lentamente la nave con la fuerza del viento. La nave es extremadamente ligera a tal grado que es posible modificar su trayectoria por medio de movimientos del piloto en la cabina

Red Tail•

Piloto: Faye Valentine
• Ancho: 7.2 metros
• Alto: 5.4 metros
• Largo: 8.6 metros
• Peso: 7.2 toneladas
• Armamento: 2 Ametralladoras de 30mm y múltiples cañones capaces de disparar una gran variedad de misiles y granadas.

La Red Tail es un vehículo de ataque extremadamente maniobrable muy parecido a una de esas cápsulas submarinas con brazos robóticos, armada con dos lanzadores de misiles de alto calibre y dos cañones Vulcan, además de poseer equipos ECM y de supervivencia. Faye puede llamar al Red Tail cuando quiera usando un localizador y un radio control que lleva escondido en sus joyas.

Hammerhead

• Piloto: Jet Black
• Ancho: 12.3 metros
• Alto: 7.7 metros
• Largo: 21.5 metros
• Peso: 15.3 toneladas
• Armamento: Brazo y garra mecánica; Ancla

El Hammerhead es una larga, enorme y áspera nave de pescador. Armada con un arpón, esta nave no fue inventada para que pudiese ser usada en combate. Los motores rotantes le permiten en sus trastos ir más rápido a través de las direccionales de enfrente y reversa. El vehículo de la elección de Jet es usualmente usado como de remolque o carga sobre todo en el agua, en el aire y en la tierra y pocas veces en el espacio aunque no es aconsejable.

Contenido de la obra

Anime

La serie ha sido creada por "Hajime Yatate", un pseudónimo colectivo que engloba a varios miembros de la compañía Sunrise Japón. Este estudio ha sido autor de otras series de renombre como Mobile Suit Gundam, Big O, Outlaw Star y La visión de Escaflowne. Shinichiro Watanabe se hizo cargo de la dirección, también experimentado en series como Macross Plus, Samurai Champloo y los dos cortos A Detective Story y Kid's Story (incluido en The Animatrix). La animación corrió a cargo de BONES, un nuevo estudio creado por antiguos empleados de Sunrise. Desde entonces, han desarrollado grandes éxitos como RahXephon, Wolf's Rain y Fullmetal Alchemist
Cowboy Bebop estuvo a punto de no ser emitida en la televisión japonesa. Su primera emisión fue cancelada, emitiendo únicamente los episodios 2,3,7–15 y 18 en abril de 1998. A finales de ese mismo año, la emisora vía satélite WOWOW emitió la serie al completo hasta abril de 1999. Resultó tan popular que se realizó un largometraje denominado Cowboy Bebop: Tengoku no Tobira (en inglés Knocking on Heaven's door, en castellano golpeando las puertas del cielo) en 2001. No obstante, la distribuidora Tristar Pictures acortó el título por Cowboy Bebop: la película debido a problemas legales con el título original.

En 2001, Cowboy bebop se emitió en los Estados Unidos de América, a través de Cartoon Network, resultando en un completo éxito. La serie se estrenó en 2003 en el Reino Unido. A finales del 2001 en América Latina, el desaparecido canal Locomotion, transmitió la serie completa por primera vez en diversos países con doblaje en español realizado en México. En 2005 el canal Cuatro la emite íntegramente y en abierto por primera vez en España a nivel nacional, después de haberlo hecho a nivel autonómico en Canal 33 (Cataluña) y Canal 2 Andalucía, teniendo una notable acogida.

Manga

Existe la publicación de tres volúmenes, aproximadamente 186 páginas cada tomo, con historias que cuentan varias aventuras de los personajes. Estos tres tomos tienen un estilo que logra trasmitir el mismo ambiente que el visto en el anime. El primer y segundo tomo constan de cuatro historias cada uno, mientras que el tercero solamente de dos. Al final de cada tomo hay comentarios finales en los que participan el director, productor y gente que ayudó a la realización de los mangas. Fueron publicados en Japón en el año 2000 por Kadokawa Shoten publishing Co. Ltd. Tokio. Fueron trabajos originales de Yatate Haijme, las historias de los tres tomos son de Dai Stou y contaron con la colaboración de Watanabe Shinichiro y Estudios Sunrise. Fueron publicados en España a mediados del 2004, y también en México a finales del 2005 y principios del 2006.

Videojuegos

Hay un videojuego llamado simplemente Cowboy Bebop (カウボーイビバップ Kaubōi Bibappu?) publicado en Japón por la compañía Bandai para la consola Play Station el 15 de mayo de 1998.
El segundo videojuego fue lanzado exclusivamente en Japón el 25 de agosto del 2005 con el nombre de Cowboy Bebop: Tsuioku no Yakyoku (カウボーイビバップ追憶の夜曲 Kaubōi Bibappu Tsuioku no Yakyoku?). Fue publicado por Bandai para la consola Play Station 2. Este sigue la historia original del anime.

Banda sonora

Uno de los elementos más destacables de Cowboy Bebop es su banda sonora, compuesta por la artista Yōko Kanno e interpretada por la banda The Seatbelts y demás colaboradores, entre los que se destacan las voces de Mai Yamane, Ilaria Graziano, Steve Conte entre otros. La mayoría de las canciones son de estilo jazz bebop, aunque también es posible encontrar blues, pop, música clásica o heavy metal. Si bien muchas de las canciones son puramente instrumentales, una buena parte contiene letras en idiomas como el japonés, inglés y francés. Los contenidos son muy prolíficos.
La serie consta de ocho álbumes:

• Cowboy bebop: OST 1 Original Soundtrack I
• Cowboy bebop: VITAMINLESS.
• Cowboy bebop: NO DISC Original Soundtrack II.
• Cowboy bebop: BLUE Original Soundtrack III.
• Cowboy bebop: ASK DNA
• Cowboy bebop: FUTURE BLUES
• Cowboy bebop: COWGIRL ED O.S.T. Limited Edition Mini-CD
• Cowboy bebop: MUSIC FOR FREELANCE Remixes de las canciones de los discos anteriores.

Además del CD-BOX el cual recopila las canciones más famosas del los discos en versiones ampliadas y mejoradas.
Cabe destacar que el disco doble "Future Blues" compone la banda sonora de la película "Cowboy Bebop : Knockin' on Heaven's door"

Openings

• Episodios 1 al 25: "Tank!" por The Seatbelts.
Endings
• Episodios 1 al 12 y 14 al 25: "The Real Folk Blues" por The Seatbelts feat. Mai Yamane.
• Episodio 13: "Space Lion" por The Seatbelts.
• Episodio 26: "Blue" por The Seatbelts feat. Mai Yamane.

Trino Camacho

José Trinidad Camacho (Guadalajara, Jalisco, 20 de agosto de 1961) es un caricaturista e historietista mexicano, mejor conocido por su nombre artístico Trino. Dueño de un humor ácido y directo, sus caricaturas abarcan muy distintas temáticas, abarcando desde el chiste infantil hasta la crítica política más cruda.

Biografía

Estudió la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente (ITESO), en Guadalajara. Formó parte de un grupo de jóvenes de dicha ciudad que publicó en la década de 1980 la revista Galimatías, y posteriormente el suplemento de humor La mamá del abulón.
Desde muy joven inició su carrera dentro de la caricatura haciendo dibujos para sus compañeros. Posteriormente realizó diferentes historietas para distintos periódicos en Guadalajara y posteriormente en la ciudad de México, en el diario La Jornada. Actualmente publica en los diarios del Grupo Reforma sus tiras: Crónicas Marcianas, Fábulas de Policías y Ladrones, El Rey Chiquito, Pipo y Don Calvino, Ruleteros y Don Taquero.

En radio ha realizado proyectos desde los 80´s como "El festín de los marranos", "Gárgaras", "Cucamonga", "Tripas de gato", "La pitaya Ye-yé" y actualmente (2009) tiene el programa semanal "La Chora interminable" con JIS en radio.udg.mx.

Participó con el Güiri-Güiri en el programa de televisión "La Cabina" y "A platicar a su casa". También ha hecho doblajes de viejas películas para la televisión. Es el padre del doblaje de "Viaje al fondo del mar". Voces de Trino, junto con Jis, Toño Urrutia, Paco Navarrete a finales de los 80´s.

Además ha ilustrado textos infantiles para varias editoriales, por ejemplo, con el Fondo de Cultura Económica, El Enmascarado de Lata (2004); Fuiste tu (2006), textos de Vivian Manzur y "Por un tornillo" texto de Ignacio Padilla (2009). Con Trillas , en 2006, el libro sobre prevención e información de adicciones De la ficción a la adicción, con texto H. Brocca. La Constitución Mexicana ilustrada por Trino, editorial Trilce, 2005. Con la Secretaría de Educación Pública (SEP) participó en el proyecto de Rincón de Lectura "Qué te gusta mas?", "Sr. Don Gato", "Cirilo"...además de haber ilustrado los libros de texto de la SEP de primero y quinto de primaria.

Premios y distinciones

• Ganó el Premio Nacional de Periodismo en el año 2000.[1]
• Fue galardonado con el Premio Pagés Llergo al mejor caricaturista del año 2006.

El Santos contra la Tetona Mendoza

Uno de los más famosos personajes de Trino y Jis es este luchador, un tipo enmascarado que combate contra las amenazas de la humanidad. El problema es que no tiene poder ni valor alguno. Junto con su ayudante (El Cabo) luchan contra sus enemigos. Cada una de estas historietas están dotadas de un humor ácido e irreverente. El protagonista, aunque representa el estereotipo del mal mexicano puede conquistar el corazón de mucha gente con su famoso inicio: "Estaba un día el Santos..."

La Tetona

La “tetona” fue la esposa del Santos durante un tiempo. Aunque es la hermana del Cabo no se parece en nada a él. La Tetona antes era la Nena Mendoza pero fue secuestrada en Tepito y luego fue prostituta. Aunque abrió un burdel después de ser luchadora (el "Tetona's palace"). El Peyote asesino es un compadre del Santos; como su nombre lo dice es un peyote, usa lentes negros y también es luchador, es uno de los más malvados personajes. Cuando llego a la capital comenzó a hacer de las suyas. El diablo Zepeda es el personaje mas sentimental de todos, aunque solo llora ante el encargado de limpiarle la nariz. Por último el Cabo es el personaje más fiel al santos y en la mayoría de los capítulos lo acompaña.

El Santos

"Nació como dice Meche, en la ribera del Arauca vibrador, fue amigo de la espuma, de la garza y de las rosas(unas hermanas bienjaladoras. Se le conoce como Sanx, panzón, santo-santorro, chiquito bebe, labregon, ombligo, y ¡dandy! ( este apodo solo se lo dice el cabo Valdivia). Estuvo casado con la tetona Mendoza, divorciado, rejuntado, vuelto a rejuntar, para volverce a divorciar. También se le conocen romances con la kikis corcuera, con la sirena lupe, con la poquianchi del espacio, y con el cobo.
Su vida transcurrio sin contratiempos hasta que a los doce años se perdió en un templo y termino de cerillito en un Gigante. Con claveles de pasión ingreso a la arena Coliseo en la década de los ochentas,. Ahí conoció los trucos del pancracio nacional y las llaves más efectivas la hurracarrana, la descorchadora, el pellisco de pulguita, la patada voladora, la estilson, la motuleña y la santinha, inventada por el mismo. Actualmente el santos vive en la ribera del lago de Chapala, y acude todos los martes al restaurante la matera a comer con sus mejores cuates.
Otros personajes: Los Zombies de sahuayo, el rellenito, La Quiquis Corcuera, La Caperucita, El Charro Negro, La Rata Maruca.

http://www.trino.com.mx/

Anime

2010-08-24T10:27:00.000-07:00

Anime (アニメ?), fuera de Japón, es el término que agrupa los dibujos animados de procedencia japonesa. En Japón se utiliza el término para referirse a la animación en general. El anime tradicionalmente es dibujado a mano, pero actualmente se ha vuelto común la animación en computadora. Sus guiones incluyen gran parte de los géneros de ficción y son transmitidos a través de medios cinematográficos (transmisión por televisión, distribución en DVD y películas con audio). Paralelamente al anime, en Japón se desarrolla el mundo del manga que se refiere al cómic de procedencia japonesa. Entre el manga y el anime suele haber mucha interacción. El anime es manga en movimiento.
Etimología
El término anime proviene de la abreviación de la transcripción japonesa de la palabra inglesa "animation" (アニメーション animēshon?). De ahí que se abrevie a "anime". Sin embargo, en inglés la palabra "animation" no puede ser abreviada a "anime", ya que la "e" no forma parte de la palabra original. Por este motivo, en Occidente se decidió no cambiar cuadros de géneros y que debería de provenir de otro idioma. Y es así como nace la teoría del término francés "animé" (animado).
Internacionalmente, el anime llevó una vez el nombre popular "Japanimation", pero este término ha caído en desuso. Los fans pronunciaban la palabra preferiblemente como abreviación de la frase "Japanese Animation" (animación japonesa en inglés). Vio su mayor uso durante los años 1970 y 1980 que generalmente comprende la primera y segunda oleada de anime fandom. El término sobrevivió al menos hasta principios de los 1990, pero pareció desaparecer justo antes del resurgir del anime a mediados de los 1990.
En general, el término "Japanimation" ahora sólo aparece en contextos nostálgicos en el mundo occidental, sin embargo el término es muy utilizado en Japón para distinguir las animaciones hechas allí (Japanimation) de las animaciones en general (Anime, en Japón).

Historia del anime

La historia del anime, el género de animación de origen japonés, comienza en el siglo XX, con una serie de cortometrajes similares a los encontrados en otros países como Estados Unidos, Rusia, Alemania, Francia, entre otros. Se descubrió que la primera animación japonesa, Katsudō Shashin, fue realizada en 1907, donde se puede observar la participación de un niño marinero. La compañía Tennenshoku Katsudo Shashin (Tenkatsu) es quien reacciona primero, encargando en 1916 al dibujante de manga Oten Shimokawa una película del género. En la década de 1930, la animación se convirtió en un formato alternativo de la narración de cuentos. La falta de visión de actores occidentales, por ejemplo, hace casi imposible dirigir las películas establecidas en Europa, América, o mundos de fantasía, que naturalmente no tienen la participación de Japón. La animación permite a los artistas crear personajes y entornos.
El éxito de Disney en Blanca Nieves influyó a los animadores japoneses.Osamu Tezuka adoptó y simplificó muchas técnicas de animación de Disney para reducir los costos y el número de marcos en la producción. Esta fue la intención de ser una medida temporal a fin de que pueda producir el material en un apretado programa de animación con un personal sin experiencia.
Durante la década de 1970, hubo un aumento en el crecimiento de la popularidad del manga, que son a menudo más tarde animados, especialmente los de Osamu Tezuka, que ha sido denominado una "leyenda" y el "dios del manga".7 Su trabajo y el de otros pioneros en el campo, inspirados en características y géneros que son elementos fundamentales de anime en el día de hoy. El género del robot gigante (conocido como "Mecha" fuera de Japón), por ejemplo, se concretó en virtud de Tezuka, desarrollado en el género en virtud del Super Robot de Gō Nagai y otros, y se revolucionó a finales de la década por Yoshiyuki Tomino que desarrolló realmente el género de los robots del anime, como la serie Gundam y Macross se convirtieron en clásicos instantáneos en la década de 1980, y el género del robot de anime sigue siendo una de las más comunes en el Japón y en todo el mundo el día de hoy. En esta misma década, el anime se hizo más aceptado en la corriente principal en Japón (aunque menos que el manga), y experimentó un auge en la producción. Tras algunas adaptaciones de anime de éxito en los mercados extranjeros, el anime adquirió una mayor aceptación en los mercados en la década de 1990 y aún más a partir del 2000. Sin embargo últimamente ha decaído el anime con respecto a la rápida producción de los capítulos.

Características del anime

Dentro de las características notables en el género, se destaca el desarrollo de tramas complejas a lo largo de un cierto número de episodios. Gran parte del anime está estructurado en series de televisión con números de episodios definidos en los cuales se trata una trama específica que puede implicar el trabajo de conceptos complejos.
En la década de 1970, el anime empieza tomar un rumbo diferente en el mundo de la animación. Las producciones occidentales se caracterizaban por estar dirigidas a un público infantil, mientras que el anime trataba temas más complejos como el existencialismo y a veces utilizaba un lenguaje más maduro, algunas escenas de violencia y sexuales. Varias veces la demografía objetivo a menudo afecta a los contextos ideológicos de la obra: por ejemplo en el shōnen, en las series de acción, se toman momentos que pasan en la adolescencia como la amistad, el compañerismo, las peleas, las aventuras, el sacrificio por el amor. En el seinen que también es para un público masculino se toman temas más maduros como políticos, sexuales, o científicos (que, a excepción del kodomo, también pueden ser parte de otros géneros demográficos, solo que se ven con más profundidad en éste). También se tiene que tomar en cuenta, que cuando una serie de manga tiene mucho éxito, es común adaptarlo al anime,13 por lo que toma elementos de éste.

Romanticismo

Toma elementos de la fantasía y lo sobrenatural También se toma en cuenta las relaciones que tienen los personajes, como amigos o familiares. La mayor parte de las series de anime pueden tener algo emocional y connotaciones ideológicas. Las imágenes pueden crear un fondo adecuado para la transferencia de sus pensamientos emocionales Aunque en las series destinadas para un público femenino, se le toma más importancia a los sentimientos de los personajes, no es algo ajeno también a las series destinadas para el público masculino. Un elemento muy importante dentro de los romances, en donde comúnmente los personajes están desesperados por una persona en especial (algo que puede ser tanto como drama y comedia romántica), el mejor ejemplo en cuánto a la expresión de sentimientos es la serie Candy Candy. Y también el sacrificio de amor que hace una persona por su pareja, un concepto que se maneja en las series de acción, cuando un personaje femenino trata de ser rescatada de los oponentes, ocurre el duelo entre el personaje principal y su enemigo (se refleja por ejemplo en la serie Inuyasha). También hay varios géneros románticos, en donde se pueden dar de diferente forma.

Realismo

Aunque es más predominante la fantasía sobre los sucesos reales, algunas series han tenido influencia del movimiento del realismo, incluso se han adoptado obras literarias al anime. Las historias contadas a través de este medio pueden ser producidas mediante la combinación de variados géneros cinematográficos, como tales hay una gran cantidad de temas, pueden describir acontecimientos históricos, como los citados después. Algo que sí se tiene que tomar en cuenta es que en el anime se reflejan la cultura y las tradiciones japonesas. Las ideas populares de los personajes son: la persistencia, la falta de voluntad de entrega personas muy poderosas o las circunstancias, de que la idea de la libre determinación y la elección de vida, tienen algo importante en la moral. También hay series con drama histórico, que narran diferentes sucesos de Japón, como Rurouni Kenshin Meiji Kenkaku Romantan, o también de Europa como la película Steamboy, en donde parte de los personajes son ficticios, pero otros pueden ser parte de la historia. Algo que también se toma en cuenta es la política, que inclusive los primeros largometrajes de anime eran publicidad de la guerra, en donde también el género mecha ha sido parte de un dominio de diferentes lugares e ideologías dentro de las series, también se ven los abusos que se cometen en la autoridad (que se hace presente en los personajes contrarios). Otro elemento muy distinguido es el existencialismo, en donde los personajes tratan de analizar su historia, y los diferentes sucesos por los que han pasado, puede verse de manera muy profunda en Ghost in the Shell.
Humanidad, Naturaleza y Tecnología
Lo que se ha dicho acerca de la tradición sintoísta también es útil para ilustrar la forma en que el complejo debate sobre la relación entre la naturaleza y la tecnología ha sido desde hace mucho tiempo importante en la sociedad japonesa (aunque también en el mundo entero), y esto se refleja en el anime. Por ejemplo, la película Taro Melocotón, el guerrero divino de los mares, muestra una relación entre el medio ambiente, al ser representado por animales en una isla, y la tecnología, al ser parte de propaganda de la Segunda Guerra Mundial, en donde también el gran desarrollo de la tecnología ha sido parte de la posguerra. También dentro de los géneros de la ciencia ficción están el mecha (robots gigantes), en donde se puede explicar como la tecnología en vez de ser un desarrollo positivo, comienza a ser una gran fuente de devastación, paradójicamente el daño ocasionado es recuperado por la misma tecnología. Otro concepto es el Cyberpunk, en donde la película Akira se le considera una pionera. También en la serie Serial Experiments Lain, el concepto de humanidad es mezclado con tecnología, y la humanidad se le toma menos importancia, generalmente van acompañadas con temas de existencialismo. En otro sentido, el hombre-tecnología, en particular, es también la cara a través de la cual en el anime toma una transposición de la modernidad y, en última instancia, lo que dio lugar a una inseparable combinación entre lo viejo y lo nuevo

Referencias culturales

Este género narrativo es una mezcla principalmente de las culturas japonesa y occidental. Del género occidental rescata algunos arquetipos de personajes, presentación en capítulos de misma duración y técnicas de animación entre otras cosas. A esto le añade conceptos tradicionales japoneses como el énfasis en la vida cotidiana y el estilo tradicional de dibujo japonés modernizado. Además se pueden presentar otros tipos de mitologías, como la griega, china,(si se tomaran ejemplos estarían las series de Saint Seiya, Dragon Ball respectivamente). También hay que tomar importancia que han tomado otras religiones, como el Hinduismo y el Cristianismo.
Sintoísmo y budismo
El sintoísmo es la religión nativa de Japón, que se caracteriza por la visión animista de la naturaleza. La shin-tō es la forma de conducta de los dioses que armoniza con la naturaleza y los espíritus antepasados, en las deidades están los kami (神?) en general positivos, que contrarrestan los oni (鬼?), que son demonios violentos. Los mitos y leyendas de tradición sintoísta son innumerables, comenzando con los recogidos en el Kojiki y Nihonshoki (textos que datan del siglo VIII), que proporcionan las almas de más de un punto de partida para las historias que se narran en Japón. En particular, un sello distintivo del sintoísmo es combinar elementos fantásticos y realmente situados más allá del límite normal de la percepción humana ordinaria con la vida cotidiana, una característica que también es fácil de encontrar en muchas obras de anime.

Bushidō

Otro factor que conduce el anime son las tradiciones, las anécdotas y situaciones que, sin duda, son la ética marcial que es básicamente debido a la complejidad de código de conducta que consiste en el bushidō, la vía de los nobles guerreros. Las historias en el anime, en particular, tienden a combinar los aspectos de bujutsu (武术?) y el budō (武道?) que proporcionan el derecho capaz de demostrar la lucha, sino también para representar el camino de la moral y de educación protagonista. En algunas casos, el héroe también puede ser divinizado como en la mitología griega. Sin embargo, dado que el bushidō se connota por la presencia de cualidades de liderazgo moral, como la justicia, el sentido del deber, la lealtad, la compasión, el honor, la honestidad y la valentía, es bueno recordar que su origen cultural no sólo se presenta el anime, que de alguna manera se centran en el combate, o directamente en el conflicto puesto en el Japón feudal, sino que también se presenta en la modernidad de Japón.

Senpai-Kohai

En el camino de los budōka hay una norma que no podrá comenzar sin un guía, ya sea de un padre o un maestro (先生 sensei?), poco importa, lo que indica la calle con su comportamiento. En la sociedad japonesa, por lo general es representado por el par senpai-kōhai (tutor-trabajador), donde el primero es "el que se inició por primera vez, y la segunda, que comenzó más tarde". Este informe, que implica el respeto y la devoción de kōhai hacia el senpai, pero también que son efectivamente en condiciones de asesorar y orientar en la vida, casi puede determinarse en cada contexto social, de la escuela al trabajo, de los deportes a la política, y también, se refleja en el anime, en donde muchas veces los personajes son enseñados por un maestro.
El sentido del deber
En el sentido del deber presentado en el anime por los japoneses, la verdadera fuerza está en no preocuparse por su propia felicidad personal con el fin de lograr los ideales y cumplir con un deber, es una búsqueda por tratar de buscar un camino interno. Las visitas tienen el deber de pagar una deuda, que puede ser contra el rey, los padres, los antepasados y aun en contra de su nombre, pero en las historias de muchas personas llegan a estar en contra de todo el mundo, el respeto en el que el protagonista, a menudo más allá de sus sentimientos personales y el aislamiento que implica su inevitable diversidad, asume la responsabilidad por el sacrificio propio, que es inspirado por la historia militar de Japón. Sin embargo, la moral es un término que es donde el universo es considerado por japoneses amoral e indiferente.
Diseño de animación
Aunque el anime se considera separado de los dibujos animados, este utiliza muchas características aplicadas en las caricaturas como storyboard, actuación de voz, diseño de personajes, entre otras. El anime también tiende a tomar prestados elementos de muchos textos de manga en el fondo, y los paneles de diseños también. Por ejemplo, un opening puede emplear paneles a contar la historia, o para dramatizar una cuestión de efecto humorístico.
La mayoría de veces es la adaptación de manga en video - aunque también se adapta de una novela ligera o una novela visual - ; teniendo comúnmente menos detalles en sus trazos. Generalmente el anime se refiere al de dibujo de celdas, pero también se aplica a la animación creada por computadoracomo por ejemplo Final Fantasy, aunque para este último suele haber denominaciones como CG (computer graphics).

Diseño de personajes

En el anime el diseño de personajes puede variar de ciertas maneras dependiendo de la época o los dibujantes. Cabe destacar que en el anime son usualmente influenciados más de un tipo de estilo de brocha más que la caligrafía de lápiz. Algunas características visibles son:
• Los ojos: comúnmente son muy grandes, ovalados, muy definidos y con colores llamativos como rojo, rosa, verde, morado, aparte de los normales como café y azul. Osamu Tezuka introdujo los ojos grandes inspirado por producciones de Disney como Mickey Mouse y de este modo se toman de un modo humorístico o de personalidad al personaje. El coloreado es para dar a los ojos profundidad. Generalmente una textura de luz de sombra, el tono de color y una sombra oscura son usados. Cabe destacar que no en todas las series hay ojos grandes como en las películas de Hayao Miyazaki.
• El cabello: hay de todas formas, tamaños y volúmenes, para personajes masculinos o femeninos. Además de una gran variedad de colores como los de los ojos, estos pueden tener diferentes formas de sombreado.
• El cuerpo: puede ser muy parecido a las proporciones del cuerpo humano, aunque de una manera muy escultural Variaciones a la proporción también pueden cambiar como en el chibi o super deformed donde las rasgos pueden ser muy exagerados, aunque estos son para dar un toque de comedia a las series.
• La cara: la nariz y la boca son pequeños, la parte baja de la cara parece ser la de un pentágono. Una amplia variedad de expresiones faciales son usados por caracteres para denotar estados de ánimo y pensamientos. El anime utiliza un conjunto diferente de las expresiones faciales en comparación con la animación occidental. Otros elementos estilísticos son comunes y a menudo en la comedia de anime personajes que están conmocionados o sorprendidos harán una "cara de culpa" en la que se expone una expresión extremadamente exagerada
También hay que tomar en cuenta que las características de seres no humanos como animales, robots, monstruos y demonios varían dependiendo el contexto y son muy diferentes a las de los humanos. Los animales pueden tener un dibujo como realmente son, aunque también puede haber híbridos entre humanos (véase kemono). Los robots y monstruos pueden ser de tamaño gigantesco como los rascacielos, aunque también pueden presentar características chibi, de manera cómica.
• Algunos estilos de dibujo predominantes en el anime:
• Bishōjo. Literalmente, "joven hermosa".
• Bishōnen. Literalmente, "joven hermoso".
• Moé. Estilo que exagera las características "tiernas" de los personajes.
• Super deformed. Personajes muy pequeños como muñequitos. Exageran las características infantiles.

Directores reconocidos

El estudio Ghibli
Isao Takahata y Hayao Miyazaki, tras abandonar Toei Doga se hallaban trabajando en series de televisión, pero éste último sentía grandes deseos de volver al cine de dibujos para la pantalla grande. Miyazaki conseguirá firmar como director su primera película gracias al encargo recibido de adaptar para el cine el popular personaje televisivo de Lupin III, en El castillo de Cagliostro (1979). Gracias al ritmo rápido que le insufló Miyazaki y a unos gags basados sobre todo en la acción, resultó una obra altamente reconocida.
Miyazaki publicaba desde 1982 en la revista especializada Animage el manga Nausicaä del Valle del Viento, que gozaba de gran prestigio. Gracias a ello, surge el proyecto de que Miyazaki realizara una versión para el cine, que Takahata se responsabilizará de producir. Por su parte Miyazaki, además de dirigir, se encargó también del argumento, guión y story board. Aparece así la película del mismo título en 1984, donde Miyazaki retrata una Tierra devastada por la guerra, donde la humanidad está en peligro de extinguirse. A pesar de tratar un tema tan poco comercial como el de la relación entre los seres humanos y la Naturaleza, el público mostró una gran respuesta.
Gracias al éxito de esta película, Takahata y Miyazaki convencen al magnate del mundo editorial Yasuyoshi Tokuma para que colabore en la formación de sus propios estudios de cine de animación, inaugurándose de esta forma en 1985 el Studio Ghibli. Dentro de estos, Miyazaki dirigirá títulos como Laputa, el castillo en el cielo (1986), vagamente inspirada en Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift; Mi vecino Totoro (1988), con una extraña criatura de los bosques que sólo los niños de corazón limpio pueden ver; Majo no takkyūbin (1989), sobre las penalidades de una joven bruja, y Porco Rosso (1992).
Por su parte, Takahata dirige La tumba de las luciérnagas (1988), basada en un argumento de Akiyuki Nosaka, que relata la historia de dos hermanos a los que los bombardeos americanos durante la guerra han dejado huérfanos. Tras ésta, realizará Heisei Tanuki Gassen Ponpoko (Pom Poko, 1994), donde los tanuki protagonistas ven amenazada su morada por el desarrollo urbanístico y deciden pasar a la defensa empleando sus habilidades para transformar su apariencia. Todas estas producciones tuvieron gran éxito comercial y repercusión también en el extranjero, donde empezó a cobrar fama el nombre del Studio Ghibli.
Mamoru Oshii
En Japón es muy reconocido el anime de Mamoru Oshii (1951). Tras trabajar un tiempo para la televisión, Oshii llama pronto la atención por su serie Urusei Yatsura así como por la muy posterior Patlabor. Sin embargo, el nombre de Oshii llegará a las audiencias occidentales gracias a Ghost in the shell (1995). En la edición de Cannes de abril de 2004 presentó Ghost in the Shell 2: Innocence (2004), que viene a ser una secuela de la película de 1995.

Katsuhiro Ōtomo

Katsuhiro Ōtomo (1954) alcanzó fama internacional gracias a su Akira (1988), basado en un manga de creación propia, tras el cual viene la película Memories (1995), codirigida con Koji Morimoto y Tensai Okamura. Años después, regresaría dirigiendo la película Steamboy (2004), una historia del steampunk más tradicional y con un presupuesto millonario.

Hayao Miyazaki

Con el estreno de La princesa Mononoke (1997) vuelve a resonar el nombre del Studio Ghibli. Con esta historia ambientada en la era Muromachi (siglos XIV al XVI), se vuelve al tema de la Naturaleza amenazada por los seres humanos. Sobrepasando todas las expectativas, la recaudación rebasa los diez mil millones de yenes, superando incluso a la norteamericana E. T.: El extraterrestre. Miyazaki, que había declarado a los medios de comunicación que ésta sería su última película, se retractará poco tiempo después de dicha afirmación.
Miyazaki volvió a la dirección en 2001 con El viaje de Chihiro, historia de una chica caprichosa que, para salvar a sus padres atrapados por un bruja, arriesga su vida internándose en una gigantesca casa de baños poblada por seres sobrenaturales, aprendiendo a valerse por sí misma. Volvió a renovar el listón de taquilla, con unos ingresos de 150 millones de dólares, igual a la de Titanic.51 En la edición de febrero de 2002 del Festival Internacional de Cine de Berlín consigue el Oso de oro y en marzo de 2003 el Oscar a la mejor película de animación, hechos ampliamente recogidos por la prensa japonesa.
Miyazaki regresó más tarde con Hauru no Ugoku Shiro (traducida como El castillo ambulante, El increíble castillo vagabundo y El Castillo Andante, 2004). En septiembre de 2005 Miyazaki recibe el León de Oro a su carrera. En cambio Takahata, su compañero, después del fracaso comercial de Mis vecinos los Yamadas (1999), se mantiene apartado del anime.

Series de televisión

Son el formato más común y muchas están basadas en un manga. Para los estrenos de cada serie en Japón, suele presentarse un episodio por semana, en temporadas de 13 o 26 capítulos por motivos de calendario, duran media hora y al igual que todos los programas de televisión hay cortes comerciales. De ahí puede variar su distribución en otras partes del mundo.

OVA

Abreviación de "Original Video Animation" (Animación Original en video) o también "Only Video Available" (Sólo Disponible en video) aquí es donde la duración de un episodio puede variar de unos solos minutos a 45 minutos, a veces pueden ser complementos de la historia. Normalmente no se presentan en televisión.

Películas

Son los largometrajes producidos por las compañías, pueden ser historias originales basadas en algún manga o muchas veces en las series de anime que pueden presentar historias alternas o un tiempo lógico establecido de la serie. Normalmente este complejo (de 50 a 120 minutos) de películas difieren bastante de otros formatos de animación -por ejemplo, la calidad de imagen- y en consecuencia causa mayores costes de producción.

Especiales de televisión

Especial como bonificación de la serie, a veces no está relacionado con la historia básica que se muestra en la serie de televisión. Normalmente suelen transmitirse en televisión por ser día feriado durante el cambio de estación; a veces después de la conclusión de anime. La bonificación de la serie suele estar estrechamente vinculada con la trama de la serie, pero no necesariamente la continúa.
A veces es alterna a la historia principal y muestra escenas de la serie con otro punto de vista y escenas inesperadas. A menudo en la bonificación circular de la serie, la historia ha estado trabajando con la serie, pero absolutamente no cambia el actual estado de continuidad. Una serie puede ser omitida sin que se pierda. Normalmente para entender la serie de bonificación se exige el conocimiento de los antecedentes de la serie: puede verse en los especiales de Love Hina posteriores a dicha serie de televisión.

Géneros

En el anime, suelen haber géneros que se encuentran en los medios audiovisuales. Estos son acción, aventura, comedia, ciencia ficción, drama, historias infantiles, fantasía medieval, romance y terror.
Gran parte de las series de anime pueden incluir dos o más géneros de los dichos. Por ejemplo, acción y aventura pueden ser combinados de muy buena manera, lo que se da en series como One Piece, donde los personajes recorren lugares distintos y, a la vez, hay peleas. Hay muchas series de este tipo, y es más común verlas en el shōnen. Así también, drama y romance se combinan de muy buena manera, y muchas series suelen mezclarlos (especialmente en el shōjo). También, misterio y terror, como en Death Note y MONSTER

Géneros demográficos

La siguiente tabla muestra los géneros usados exclusivamente para anime y manga:
• Josei (女性? literalmente "mujer"): anime como audiencia objetivo las mujeres jóvenes adultas. Ejemplos: Nana, Paradise Kiss.
• Kodomo (子供? literalmente "niño"): anime enfocado hacia el público infantil. Ejemplos: Pokémon, Hamtaro.
• Seinen (青年? literalmente "hombre joven"): anime como audiencia objetivo los hombres jóvenes adultos. Ejemplos: Speed Grapher, Berserk, MONSTER.
• Shōjo (少女? literalmente "chica" o "muchacha"): anime enfocado hacia las chicas adolescentes. Ejemplos: Sailor Moon,Cardcaptor Sakura, Candy Candy.
• Shōnen (少年? literalmente "chico" o "muchacho"): anime enfocado hacia los chicos adolescentes. Ejemplos:Saint Seiya, Naruto, Dragon Ball, One Piece, Bleach.
Géneros temáticos
Otra forma de clasificar al anime es mediante la temática, estilo o gag que se utiliza como centro de la historia. Así, tenemos:
• Anime Progresivo: animación hecha con propósito de emular la originalidad japonesa. Ejemplos: Serial Experiments Lain, Neon Genesis Evangelion, Paranoia Agent.
• Bakunyū: Anime centralizado en chicas de Pechos Enormes. Ejemplos: Milk Junkies, Bakunyuu Oyako, ', Marine a Go Go, Mrs Junkies.
• Cyberpunk: La historia sucede en un mundo donde los avances tecnologicos toman parte crucial en la historia, junto con algún grado de desintegración o cambio radical en el orden social. Ejemplo: Ghost in the shell, Battle Angel: Alita.
• Ecchi: es la pronunciación de la letra H en japonés, presentando situaciones eróticas o subidas de tono llevadas a la comedia. Ejemplo: Golden Boy, Vandread, Ranma 1/2, To Love-Ru.
• Gekiga: término usado para los anime dirigidos a un público adulto, aunque no tiene nada que ver con el hentai. El término. literalmente. significa "imágenes dramáticas". Ejemplo: Omohide Poro Poro, Hotaru no Haka.
• Gore: anime literalmente sangriento. Ejemplos: Elfen Lied, Higurashi no Naku Koro ni, Gantz.
• Harem: muchas mujeres son atraídas por un mismo hombre. Ejemplos: Rosario + Vampire, Love Hina, Onegai Twins .
• Harem Reverso: muchos hombres son atraídos por una misma mujer. Ejemplo: Ouran High School Host Club, Fruits Basket.
• Hentai: significa literalmente "pervertido", y es el anime pornográfico. Ejemplos: Bible Black, La Blue Girl.
• Kemono: humanos con rasgos de animales o viceversa. Ejemplo: Tokyo Mew Mew, Black Cat, Inuyasha.
• Magical Girlfriend: la historia principal trata sobre una relación entre un ser humano y un alienígena, un dios o un robot. Ejemplos: Onegai Teacher, Aa! Megamisama, Chobits, Urusei Yatsura
• Mahō shōjo: magical girl, chica-bruja o con poderes mágicos. Ejemplos: Corrector Yui, Sailor Moon, Card Captor Sakura.
• Mecha: robots gigantes. Ejemplos: Gundam, Mazinger Z, Neon Genesis Evangelion.
• Meitantei: es una historia policíaca. Ejemplos: Sherlock Holmes, Detective Conan.
• Post-Apocalíptico: la historia sucede en un mundo devastado. Ejemplo: El Puño de la Estrella del Norte, Akira .
• Romakome: es una comedia romántica. Ejemplos: Lovely Complex, School Rumble, Love Hina.
• Sentai: en anime, se refiere a un grupo de superheróes. Ejemplo: Cyborg 009.
• Shōjo-ai y Yuri: romance homosexual entre chicas o mujeres. Se diferencian el primero del segundo en el contenido, ya sea explícito o no. Ejemplos: Shoujo Kakumei Utena, Strawberry Panic, Simoun.
• Shōnen-ai y Yaoi: romance homosexual entre chicos u hombres. Se diferencian el primero del segundo en el contenido, ya sea explícito o no. Ejemplos: Gakuen Heaven, Sensitive Pornograph, Junjou Romantica
• Spokon: historias deportivas. Ejemplos: Slam Dunk, Supercampeones, The Prince of Tennis.
• Shota: romance homosexual u heterosexual entre niños o niñas menores y mujeres u hombres mayores de edad.
Impacto Cultural
La combinación de comunidades de Internet y el incremento del material de anime desde imágenes hasta videos, hizo lo que es el fandom en el anime. Una de las influencias que ha tenido los fansub, ha sido por parte de Bandai, quienes agradecieron a éstos por hacer popular la serie Suzumiya Haruhi no Yūutsu a los que hablan en inglés. A su vez, estos mismos fansub incrementaron el conocimiento del anime en el mundo de igual o mayor forma que los animes en las décadas de 1980 y 1990.
Grandes éxitos a lo largo de la historia del anime han difundido este tipo de expresión en sucesivas oleadas, normalmente películas de alto impacto que llaman la atención de nuevos sectores hacia la industria del anime. Dentro de estas películas se puede encontrar: Akira, Ghost in the Shell, y El viaje de Chihiro ganadora del oscar a la mejor película de animación en 2002 y de un Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín (2001). Un ejemplo claro de la asimilación en el mundo es la producción española Gisaku (2005) que es el primer largometraje de estilo anime realizado íntegramente en Europa.El suceso fenomenal multimillonario de la franquicia de Pokémon, ha ayudado grandemente a la serie de éste, y a los diferentes spin-off de la serie, que después de iniciarse a trasmitirse, sigue vigente todavía.
También existe el Anime-Influenciado, que es animación hecha fuera de Japón, pero con el estilo anime. Parte de estas series es hecha en Estados Unidos, Europa y otras partes de Asia. Como por ejemplo Avatar: la leyenda de Aang. Los creadores de las series de Megas XLR y The Boondocks, han comentado que se inspiraron en el anime para la creación de éstas. Un equipo de producción francesa para la serie Ōban Star-Racers fue movido a Tokio para colaborar con un equipo de producción japonesa sobre el Hal Film Maker. Críticos y fans en general del anime no considera al anime influenciado como anime.
Otro tipos de adaptación ha sido parte de la Biblia en el anime, específicamente el Antiguo Testamento, a la vez ésta ha estado con el asesoramiento de El Vaticano, y hecho para todo público y no solo al anime ha sido adaptada sino la Biblia en si aino que también al manga
Algunas series animadas de televisión americana también han hecho parodias o referencias al anime como en South Park ("Chinpokomon" y el episodio de "Good Times With Weapons"). Otra serie con parodias es Perfect Hair Forever. También las series de Los Simpson y Los padrinos mágicos, han hecho diferentes parodias.

REPETICIÒN programa 18 agosto 2010

2010-08-23T11:32:00.001-07:00

Watch live streaming video from lagazetatv at livestream.com

La historia de los videojuegos y las consolas

2010-08-03T09:32:00.000-07:00

Por: Cristian y Abel.

En un principio la tierra esta vacía, entonces ATARI digo necesita diversión, creo una motherbord y vio que era bueno, entonces creo los primeros procesadores y vio que eran buenos, entonces dijo pondré PONG en ARCADEAS y CASAS y vió que era bueno y el séptimo día dijo este día será sagrado para reposar en tu sillón y frente a tu tele..-así es como comenzó la diversión en la tierra, dando al mundo uno de los inventos más grandes para el entretenimiento en el hogar, las galerías y el los portables o videojuegos transportables (gamboy, PSP y etc.) todo esto ha ido trascendiendo desde 1975 que salió PONG en varias generaciones las cuales les daremos una pequeña reseña.

La explosión de los videojuegos: 1970

Un hito importante en el inicio de los videojuegos tuvo lugar en 1971 cuando Nolan Bushnell comenzó a comercializar Computer Space, una versión de Space War, en Estados Unidos, aunque es posible que se le adelantara Galaxy War otra versión recreativa de Space War aparecida a principios de los 70 en el campus de la universidad de Standford.
La ascensión de los videojuegos llegó con la máquina recreativa Pong, muy similar al Tennis for Two pero utilizada en lugares públicos: bares, salones, etc. El sistema fue diseñado porHarold Lee y Al Alcorn para Nolan Bushnell en la recién fundada Atari.
El juego se presentó en 1975 y fue la piedra angular del videojuego como industria. Durante los años siguientes se implantaron numerosos avances técnicos en los videojuegos (destacando los microprocesadores y los chips de memoria), aparecieron en los salones recreativos juegos como Space Invaders (Taito) o Asteroids (Atari) y sistemas domésticos como el Atari 2600.

La era de los 8 bits: 1980

Durante los primeros años de la década llegaron al mercado doméstico sistemas como (Phillips), Intellivision (Mattel), Colecovision (Coleco), Atari 5200, Commodore 64(Commodore, Turbografx (NEC) mientras que en las máquinas recreativas triunfaron juegos como Pacman (Namco), Battle Zone (Atari), Pole Position (Namco), Tron (Midway) o Zaxxon(Sega) A la salida de su particular crisis los norteamericanos continuaron la senda abierta por los japoneses y adoptaron la NES como principal sistema de videojuegos. A lo largo de la década fueron apareciendo nuevos sistemas domésticos como la Master System (Sega), el Amiga (Commodore) y el 7800 (Atari), que gozaron de diferentes niveles de popularidad según la región, y juegos hoy en día considerados clásicos como Tetris de Alexey Pajitnov. Ya hacia finales de los 80 comenzaron a aparecer las consolas de 16 bits como la Mega Drive(Genesis en Norteamérica) de Sega y los microordenadores fueron lentamente sustituidos por las computadoras personales basadas en la arquitectura de IBM. En 1985 apareció Super Mario bros. que creció con fuerza fue la de los videojuegos portátiles . La evolución definitiva de las portátiles como plataformas de videojuego llegó en 1989 con el lanzamiento de la Game Boy Nintendo.

Aguas llego el 3D: 1990

principios de los años 90 las videoconsolas dieron un importante salto técnico gracias a la competición de la llamada "generación de 16 bits" compuesta por la Mega Drive, la Super Famicom de Nintendo cuyo nombre fue cambiado en occidente, pasando a ser Super Nintendo Entertainmet System "SNES", la PC Engine de NEC, conocida como Turbografx en occidente y la CPS Changer (Capcom).
Junto a ellas también apareció la Neo Geo (SNK) una consola que igualaba las prestaciones técnicas de un arcade pero demasiado cara para llegar de forma masiva a los hogares. Esta generación supuso un importante aumento en la cantidad de jugadores y la introducción de tecnologías como el CD-ROM
Mientras tanto diversas compañías habían comenzado a trabajar en videojuegos con entornos tridimensionales, principalmente en el campo de los PC, obteniendo diferentes resultados desde las "2D y media" de Doom, 3D completas de 4D Boxing a las 3D sobre entornos pre-renderizados de Alone in the Dark. Referente a las ya antiguas consolas de 16 bits, su mayor y último logro se produciría por el SNES mediante la tecnología 3-D de pre-renderizados de SGI, siendo su máxima expresión juegos como Donkey Kong Country y Killer Instinct. También surgió el primero juego poligonal en consola, la competencia de la SNES, Mega-Drive, lanzó el Virtual Racing, que tuvo un gran éxito ya que marcó un antes y un después en los juegos 3D en consola.
Rápidamente los videojuegos en 3D fueron ocupando un importante lugar en el mercado, principalmente gracias a la llamada "generación de 32 bits" en las videoconsolas: Sony Play Station, Sega Saturn (que tuvo discretos resultados fuera de Japón); y la "generación de 64 bits" en las videoconsolas: Nintendo 64 y Atari jaguar. En cuanto a los PC, se crearon las aceleradoras 3D.
Por su parte los videojuegos portátiles, producto de las nuevas tecnologías más poderosas, comenzaron su verdadero auge, uniéndose a la Game Boy máquinas como la Game Gear(Sega), la Lynx (Atari) o la Neo Geo Pocket (SNK), aunque ninguna de ellas pudo hacerle frente a la popularidad de la Game Boy, siendo esta y sus descendientes Game Boy Pocket,Game Boy Color, Game Boy Advance, Game Boy Advance SP, Game Boy Micro
Hacia finales de la de la década la consola más popular era la Playstation con títulos como Final Fantasy VII (Square), Tomb Raider (Core Design), Resident Evil (Capcom), Winning Eleven 4 (Konami), Gran Turismo (Polyphony Digital) y Metal Gear Solid (Konami).
En PC eran muy populares los FPS como Quake (id Software), Unreal (Epic Megagames) o Half-Life (Valve) y los RTS como Command & Conquer (Westwood) o Starcraft (Blizzard Entertainment). Además las conexiones entre ordenadores mediante internet facilitaron el juego multijugador, convirtiéndolo en la opción predilecta de muchos jugadores, y fueron las responsables del nacimiento de los MMORPG como Ultima Online (Origin). Finalmente en 1998 apareció en Japón la Dreamcast (Sega), la cual llegaría a occidente en 1999 y daría comienzo a la "generación de los 128 bits".

El comienzo de una nueva era: 2000...2010

En 2000 Sony lanzó la anticipada PlayStation 2 y Sega lanzó otra consola con las mismas características técnicas de la Dreamcast, nada más que venia con un monitor de 14 pulgadas, un teclado , altavoces, y los mismos mandos llamados Dreamcast Divers 2000 Series CX-1. En 2001 Microsoft entra a la industria de las consolas creando la Xbox.
Su juego estelar, Halo, estuvo disponible desde el primer día que estuvo en las tiendas. Nintendo lanzó al sucesor de la Nintendo 64, la Gamecube, y la primera Game Boy completamente nueva desde la creación de la compañía, la Game Boy Advance. Sega se dio cuenta de que no podría competir especialmente contra la nueva máquina de Sony, y anunció que descontinuaría la Dreamcast y que ya no produciría hardware, convirtiéndose solo en desarrolladora de software en 2002.
El ordenador personal PC es la plataforma más cara de juegos pero también la que permite mayor flexibilidad. Esta flexibilidad proviene del hecho de poder añadir al ordenador componentes que se pueden mejorar constantemente, como son tarjetas gráficas, de sonido, accesorios como volantes, pedales y mandos, etc. Además es posible actualizar los juegos con parches oficiales o con nuevos añadidos realizados por la compañía que creó el juego o por otros usuarios.

Hay viene el celular con buenos portatiles 2003-04

Nokia entra al mercado de las consolas portátiles con el N-Gage, un híbrido de teléfono/consola portátil en 2003, sin embargo, fue altamente criticado por ser pobremente diseñado y fue sacado del mercado. Para el año 2004, Nokia rediseñó el N-Gage, llamándolo N-Gage QD pero tampoco tuvo mucho éxito.
Otras dos nuevas consolas portátiles con desarrollo técnico importante lanzadas en 2004 fueron la Nintendo DS y la PlayStation Portable(PSP). La Nintendo DS es una portátil bastante innovadora, mientras que la PSP es más potente e incluye capacidades de reproducción de algunos medios. En los países occidentales, ambas han tenido niveles de éxito similares, pero en Japón la plataforma Nintendo DS ha sido un gran éxito, sobrepasando ampliamente a la PSP.
También la compañía Blizzard Entertainment lanzó su juego World of Warcraft que hoy en día alcanza más de 11.5 millones de subscripciones mundiales.

Puffff hay bien la segunda de Microsoft 2005-08

El fin de 2005 vio el lanzamiento de la Xbox 360 por parte de Microsoft, la primera de la séptima generación de consolas de videojuegos, de 256 bits.
2006 marca la continuación de lanzamientos de la nueva generación en la forma de 2 nuevas consolas. Sony con su PlayStation 3 de 256 bits y Nintendo con la Wii de 128 bits antes conocida como Nintendo Revolution

¿Como que nos quedamos atrás Apple?

En 2007, Apple presenta sus nuevos iPod touch y iPhone a los cuales poco después añade la funcionalidad como consola de videojuegos al desarrollar una plataforma de descarga de juegos y aplicaciones llamada App Store. Esta nueva funcionalidad es beneficiada en gran parte por la tecnología multitáctil que estos dispositivos incorporan.
Mención aparte merece el soporte multimedia sobre los que en ésta generación se asientan los videojuegos. Las tres consolas admiten DVD, pero por su parte, la XBox360 también admite -mediante un periférico externo- la lectura de HD DVD, que permite hasta 51GB de capacidad (triple capa) con una tasa de tranferencia de 36,55Mbps. Sony, con su PlayStation3, ha elegido el formato Blu-ray con una capacidad de 54GB y una tasa de hasta 54Mbps. Ambos formatos se encontraban enfrascados en la lucha por ser el estándar multimedia de la próxima generación.
El 19 de febrero de 2008 el HD DVD fue derrotado por el Blu-ray ya que habiendo transcurrido tan solo una semana casi todos los estudios cinematográficos se unieron al Blu-ray y el HD-DVD fue descontinuado. Al igual que en la batalla entre el betamax y el VHS, ninguno ganó ya que todo fue reemplazado por los Blu-ray ya que los reproducores comenzaron a incorporar lectores para consolas como el Playstation 3 además de usarse como formato estándar para los juegos, en cambio el reproductor HD-DVD no venia de serie en la Xbox 360 sino que era un accesorio superfluo que solo se utilizaba para reproducir películas, para formato de juegos se seguía usando el DVD estándar. Aunque se vendieron mas Xbox 360 muy pocos usuarios compraron el reproductor que tenia un precio de salida aproximado de 200 € y no tuvo éxito. Es uno de los mejores años con más éxito en videoconsolas.

2010-07-28T20:09:00.001-07:00

HOLAAA